提琴配二胡粤剧也“洋气”

大洋网讯 一桌两椅，却生出无穷变幻，是公堂是宫殿也是山水；提琴吉他，也曾用进粤剧音乐，粤剧的“洋气”程度或让你惊讶。说起粤剧，现在人们或仍能哼唱一二，却很难说自己爱看粤剧、懂听粤剧。粤剧之美是什么？服装除了华美还要讲究什么？粤剧的趣味在哪里？你可知台上演员台下乐师曾以手势沟通？广州日报推出“南国红豆”下篇，面向广大读者尤其年轻人，介绍品味粤剧的门道。

粤剧《搜书院》  

粤剧《搜书院》  

唱腔

红腔“柴房自叹”博得满堂彩

“我似寒梅遭暴雨，似寒梅遭暴雨，片片落阶前”，同唱“寒梅”，前句如泣似诉，后句慷慨悲歌，一扬一抑，句句诛心。这是粤剧《搜书院》最著名的“柴房自叹”唱段。3月7日，红豆粤剧团把此剧再次搬上中山纪念堂的舞台，由粤剧艺术大师红线女的入室弟子苏春梅演绎“翠莲”一角。她的“柴房自叹”尽得红腔精髓，声音清越，行腔婉转，唱出了翠莲被困樊笼的哀怨与不甘、控诉与坚强。凭借此剧中精彩的表现，苏春梅获得了28届中国戏剧梅花奖。

相比其他传统戏剧，多变的唱腔是粤剧的最大特色。广州文学艺术创作研究院戏剧部主任罗丽告诉记者，在粤剧的形成过程中，一路吸纳了外来唱腔，并使之本土化。唱腔的两大类是生角多用的真嗓和旦角多用的假嗓。“除了身段外，唱腔是展现人物性格、塑造人物很重要的手段。”

粤剧中有多个流派唱腔，比如广州人熟悉红线女的“红腔”、马师曾的“马腔”，还有“薛马白廖桂”五大名腔。罗丽介绍，流派唱腔是指某一演员根据自己的嗓音条件、演唱习惯、“首本”剧目创造的一整套具有独特风格、适合自己演唱的唱腔。

小贩启发马师曾创“乞儿腔”

其中最脍炙人口的故事莫过于马师曾独创“乞儿腔”。“我姓余，我个老豆又系姓余……”这段500多字的“有序中板”，马师曾唱来跌宕有致、挥洒自如，揭示了义乞余侠魂正直善良、好抱打不平、仗义助人的性格。特殊的唱腔令观众为之雀跃。

马师曾深谙戏曲必须要通俗化、大众化，让听众听得明白、听得过瘾的诀窍。在演出《苦凤莺怜》前，他就苦思冥想要创造适合余侠魂性格、气质的“乞儿腔”。有一天，他听到卖柠檬的小贩叫卖声，觉得很有味道。他领悟到：小贩叫卖的语言通俗易懂，声音长短高低富于变化，让男女老少都记得牢。他还吸纳了大量广州话、俚语入曲，创造出滑稽、跳跃、别具一格的“乞儿腔”。

三十年坚持每天跑圆台练唱

这些独特的唱腔在粤剧历史上异彩纷呈、争奇斗艳，获得观众认可并广为传播，也获得了自己的“追随者”。

苏春梅便是深得红线女真传的“追随者”。“一开始是逐字逐句地模仿红老师的唱法，后来对翠莲这个角色有了自己的理解，就开始创作，把前人艺术精华化为自己的东西。”演出后，苏春梅在后台接受了记者的采访。她还说，在粤剧中人物的情绪、性格也需要通过唱腔技巧表达。练习唱腔技巧只能多唱，熟能生巧，巧能成精。“从艺30年，我几乎每天都在家跑一个小时的圆台，一边唱一边跑，练抬腿功时也唱，练得喘气时自然气就沉在丹田了。演员不练功很容易退步，唱功也是。”

粤剧头饰 广报全媒体记者方晴摄  

衣箱

穿湖水蓝还是紫蓝各有讲究

“存叔，我上台第一件衣服穿哪件比较好？”在《搜书院》开场前，扮演书生张逸民的文武小生陈振江匆匆来到服装部，向“衣箱叔父”袁存请教该穿湖水蓝还是紫蓝的长衫。“紫蓝沉稳，湖水蓝青春，湖水蓝吧，后面的戏要穿更深的颜色。”存叔根据角色需要答道。

粤剧戏班把置放戏服的木箱称为“衣箱”，而保管戏服的部门岗位也用“衣箱”去命名，将管理戏服和负责帮演员穿着戏服的人员亦叫“衣箱伯父”或“衣箱叔父”。如今，“衣箱叔父”袁存也负责设计粤剧戏服。

袁存介绍道，由于粤剧演员在台上会出很多汗，所以演员首先要穿一件全棉的、能吸水的水衣，以保护造价昂贵的漂亮戏服。在粤剧艺术博物馆记者还看到一件“竹水衣”，由磨细的竹片抽丝编制而成，既凉快又能隔绝汗水。

戏服之所以昂贵，除了它上面精细的广绣工艺，也与材料有关。袁存告诉记者，红豆粤剧团的戏服几乎都是真丝，连轿夫也穿真丝。“因为真丝上舞台‘吸光’，灯光打下去，不会反光。如果穿雪纺，看着漂亮，上了舞台灯光一打就会反光了。”而且真丝戏服即使穿很久，一上台一打灯，效果跟新的一样。“灯光和舞美是我们服装设计的灵魂，必须要相互配合，服装设计才会漂亮。”他说。

粤剧服饰 广报全媒体记者方晴 摄  

符合人物形象

宁穿破勿穿错

在粤剧艺术博物馆的服装展区，有四件密密麻麻地钉着彩色珠片的戏服吸引了参观者的眼光。在灯光的照耀下，珠片闪闪发亮，武生大靠的靠旗也闪耀着金光。

“珠片（也称胶片）服装一是为了突出演员，二是为了在昏暗的场合下比如在乡间演出时，用珠片反射光芒，让舞台效果更突出。”博物馆讲解员麦镜波向记者介绍道。上世纪30年代，粤剧戏班竞争激烈，“华丽”“新奇”成了吸引观众的手段。艺人间争妍斗丽，一度流行珠筒装、胶片装，把几十斤重的金属片钉在袍甲上创作“效果”。

在佛山的一个粤剧博物馆里，有一件“灯泡装”，除了钉绣着密密麻麻的珠片，还镶嵌了很多电灯泡。麦镜波说红线女不喜欢这类戏服，因为它很重，穿上后演员施展不开，还会抢光演员风头，观众将目光投注在戏服上，便会忽略演员的唱念做打、手眼身法步。到了上世纪50年代，这些过于追求“华丽”的服饰渐渐在舞台上消失。

关于粤剧戏服还有一个讲究，就是“宁穿破，勿穿错”。粤剧一级演员、广东粤剧院创作研究中心主任彭庆华告诉记者，粤剧的美不是追求“靓”，而是要符合角色、人物、形象、行当、剧情，是赏心悦目而不是哗众取宠。

粤剧戏服是一部“字典”，它以明制服装为基础，观众看到戏服，就能区分谁是文官谁是武将。有的业余发烧友，过于追求“美”忽略角色行当要求，穿着大靠做文官的戏。“演员不可以穿错，演员要对自己的戏讲究，要当自己是一回事”。

音乐

小提琴被引进为“头架”

演员乐师用“手影”交流

粤剧音乐包含两大部分，一是人声演唱，二是器乐伴奏。在粤剧艺术博物馆的音乐展区，记者看到了两件让人惊讶的展品：一件是有近百年历史、西德制造、用于粤剧伴奏的小提琴；另一样是26个“手影”姿势，演员在台上通过手指或手掌做出的不同动作暗示“棚面师父”（乐队乐手）需要的锣鼓或梆黄曲牌。

粤剧所用乐器，初期只有高胡、二弦、扬琴、喉管、卜鱼（板）、沙鼓、双皮鼓、大钹、文锣、高边锣等民族乐器。20世纪20年代初30年代末，粤剧引进了小提琴、萨克斯管（戏行称“色士风”）、吉他等西洋乐器，其中小提琴更被戏班引进为“头架”（即领奏乐器）。

由于西风渐进，有段时间粤剧台上甚至一件民族乐器也没有。香港粤剧演员梁汉威曾分享一个故事：薛马争雄期间，双方各出奇谋，马师曾曾有一剧完全没有锣鼓，只用爵士乐。“找了一个人吹色士风，从头吹到尾，结果没有人看，惨败。他终于明白锣鼓对戏曲的重要性。”

时至今天，粤剧音乐中仍有少量西洋乐器，如《搜书院》的“棚面师父”中的一位就是大提琴手。香港粤剧演员阮兆辉表示，由于民族乐器中低音乐器不多，大提琴与大阮和革胡配合，为粤剧音乐的低音部分增添了色彩。

至于“手影”，则几乎在今天的粤剧舞台上消失了。据罗丽介绍，粤剧剧本最早的形态是“提纲戏”，没有完整剧本、甚至上台前都没有经过排练，演员和乐手上台就能演能伴奏，靠的就是默契和“手影”。不过，现在的粤剧表演多是严谨地按照剧本、导演指导来演绎。“在学者看来，这有利有弊，其实即兴、‘爆肚’也是粤剧很大的魅力。”

据阮兆辉回忆，马师曾是一个读了很多书、灵活而且有脑筋的人。在做戏方面他可谓完全掌握观众，连“棚面师父”也怕了他，要金睛火眼地看着他做戏。有时他会忽然“爆肚”，因为他看到观众在台下差点儿睡着了，便另起一段曲唤醒他们。

演员在化妆  

舞台

布景画使用西洋风景画 舞美机关曾令人叹为观止

仅一桌两椅，就能幻化出“江湖河海”；走一圈圆台，已过“千山万水”。粤剧之美，与京剧、昆曲等传统戏剧一样，在于其抽象和高度凝练的表现方式。罗丽告诉记者，传统粤剧一般采用“一桌两椅”的舞台装置，没有布景，即使有，也仅仅是一块简单的、带有刺绣的布幕。

随着时间推移，粤剧的布幕变成了布景画。这些布景画不是传统国画，而是使用西洋定点透视法画成、带有立体感的风景画。由于广东得海洋风气之先，留洋取经者众，广东舞美机关布景彼时在全国首屈一指，连梅艳华也曾花重金请广东画家冯康侯去北京设计舞美。

粤剧的舞台装置艺术，与粤剧服装经历了相似发展历程，在追求“华美”“新奇”的过程中一度失去了抽象美与具象美的平衡。值得赞叹的是，当时粤剧舞美师吸纳新科技时的勇气，这种对艺术形式的创新，至今仍在粤剧的灵魂中。

洪三和是另一位擅长制作舞台特技的舞美设计师，年轻时曾在上海学习布景绘画。上世纪20年代，喜爱“海派”风格布景的粤剧名伶靓少佳曾礼聘洪三和为剧团的布景师。此时，圣寿年班正在抬举新扎花旦郎筠玉。洪三和为郎筠玉《穆桂英》一戏设计舞台时,使出“海派”绝招：将舞台台板上凿一个洞，竖起一根巨大的、会旋转的、闪闪发光的“降龙木”。大幕一开，即令观众叹为观止。

在《薛蛟斩狐》一剧中，洪三和祭出了新招，当剧中狐狸精吐出狐珠时，天幕上闪出无数滚动的珠子，并逐渐凝聚成一颗五光十色的明珠，情景交融，令观众连连喝彩。

洪三和还为白玉堂、芳艳芬设计了《夜祭雷峰塔》，在舞台上暗接了一个花洒，水流喷出，演员就在雨帘后表演。

“粤剧的特点、优点、缺点都在于变。那个时候的舞台，会下‘真雨’，甚至会牵出‘真马’，这些都违背了粤剧中对抽象、写意的审美。中华人民共和国成立后，粤剧舞台艺术返璞归真，还吸收了岭南画派艺术的精华，更朴实更实用，往提供戏剧环境的路线走。”罗丽说。

文/广报全媒体记者方晴

图/广报全媒体记者高鹤涛（除署名外）

实习生黄焕然、谭蓉

统筹、策划/广报全媒体记者嵇沈玲

本文参考书目：《粤剧大辞典》